Curiosidades

Chopin profesor

François- Joseph Fétis en la Revue Musical del 3 de Marzo de 1832 tras haber escuchado a Chopin en su primer concierto público en París, definió al joven polaco como un músico que guiado por su talento e instinto musical y al margen de cualquier modelo escribía una música para piano realmente hecha para pianistas. Sin lugar a dudas lo que Fétis advirtió fue profético.1

Chopin es el único gran compositor cuya figura puede estudiarse por entero a través de su producción para piano: único creador que ha sido pianistacompositor puro y único pianista-compositor puro que ha sido creador.2 El centro de su creatividad fue el piano e “hizo a un solo instrumento hablar un lenguaje infinito”3. Debussy lo definió como “el más grande de todos, porque a través sólo del piano lo descubrió todo”4. Además fue el único genio del Romanticismo cuyo pianismo no imita a la orquesta, tendiendo a una tradición de inspiración vocal, que enfatiza el refinamiento en el toque.

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La pasión de Clara Shumman

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El matrimonio Clara y Robert Schumann. ABC

Clara Wieck nació el 13 de septiembre de 1819 en la prusiana ciudad de Leipzig. Hija de un cantante, pianista y profesor de piano no comenzó a hablar hasta los cuatro años, pero pronto demostró un oido extraordinario. Empezó a tocar con tan solo 5 años y con ocho componía su primera pieza musical, al año siguiente hacía su exitoso debut como concertista. Su padre la formó con los mejores profesores de la época. Pero como la joven Wieck existían muchas en el siglo XIX que veían truncada su carrera por las obligaciones familiares. En octubre de 1832 dio un concierto en presencia de Goethe quien afirmó que «tenía más fuerza que seis muchachos juntos». Pero la circunstancia que marcaría su destino fue conocer a un joven compositor nueve años mayor que ella. Ella tenía once años y el había cumplido los veinte.

Por la casa de su padre pasaban muchos jóvenes aspirantes a genios de la música. Se enamoró de Robert Schumann, y con el correr de los años, la niña Wieck se convirtió en Clara Schumann. En aquel momento, Robert no era el gran compositor que llegaría a ser, sino que era un joven con pocos recursos y un carácter tendente a la depresión. Robert era el «discípulo más querido de mi padre», señala ella en un pasaje de sus diarios. Allí deja constancia de sus paseos y del comienzo de su apasionada relación. Pero el padre de Clara se opuso al amor de su hija por Schumann, algo que les obligó a separarse por el momento.

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La partitura perdida de Stravinski

  • Reaparece en el Conservatorio de San Petersburgo la composición orquestal ‘Canto fúnebre’ que el genio ruso escribió en 1908

1441739461_145390_1441739750_noticia_normalCanto fúnebre (Chant Funèbre en francés o Pogrebal’naya pesn’ en ruso) es pura y simplemente el eslabón perdido para comprender en toda su dimensión el fenómeno de Ígor Stravinski (Oranienbaum, Rusia, 1882—Nueva York, 1971). Ese giro personal hacia la modernidad desde la tradición decimonónica rusa. Esa revolución musical que emprendió en 1910 con el estreno en París de El pájaro de fuego. Y que continuó cada vez con mayor intensidad los tres años siguientes con dos títulos fundamentales: Petrushka y La consagración de la primavera.Siguió componiendo hasta finales de los sesenta, pero con esas tres obras le bastó para pasar a la historia.

En realidad, el hallazgo de las partes de orquesta de Canto fúnebrese produjo en otoño pasado gracias a una remodelación en el mítico Conservatorio de San Petersburgo que permitió remover centenares de manuscritos musicales sin catalogar. La pericia de la musicóloga Natalia Braginskaya, una destacada especialista rusa en Stravinski, unida a la profesionalidad de los bibliotecarios del centro de enseñanza musical de la antigua Leningrado, han permitido dar con esta composición orquestal de 1908 que se creía perdida tras los rigores bélicos de la Revolución de 1917.

El hallazgo fue dado a conocer el pasado viernes  dentro de un simposio de la Sociedad Internacional de Musicología celebrado precisamente en San Petersburgo. Allí se reivindicó el poder del estudio de los manuscritos para ahondar en el conocimiento de los grandes compositores y la ponencia de Braginskaya fue un verdadero corolario de ello.

Esperanza

Stravinski tuvo siempre en vida la vaga esperanza de que la obra apareciera algún día entre los fondos de una de las bibliotecas orquestales de San Petersburgo, tal como confesó a Robert Craft en su libro de 1959 titulado Memorias y comentarios. Y tenía toda la razón. Canto fúnebrese estrenó en el Conservatorio peterburgués en enero de 1909 durante un concierto dedicado a la memoria de Nicolai Rimski-Korsakov que dirigió Felix Blumenfeld; lo recuperado ahora son precisamente las partichelas o partes sueltas manuscritas utilizadas por la orquesta del conservatorio en aquel estreno.

La historia se repite y algo similar sucedió con la Sinfonía n° 1 de Sergei Rachmaninov, considerada perdida hasta que se encontraron las partes orquestales de su estreno en 1944. Antes como ahora, ninguno de los dos compositores ha vivido para conocerlo.

Stravinski siempre tuvo una especial inclinación hacia Canto fúnebre. En el referido libro de 1959 confiesa a Craft que era su mejor composición anterior a El pájaro de fuego y también la más avanzada.

Ello concuerda con los comentarios publicados por los críticos tras su estreno, que alabaron la orquestación pero condenaron su frialdad claramente ajena a los postulados postrrománticos imperantes. Y ello especialmente al tratarse de una obra fúnebre donde el discípulo lamenta la muerte del maestro. Nicolai Bernstein indicó enPeterburgskaya Gazeta, con no poca sorna, que la obra era todo menos “un clamor del corazón”.

Primeros pasos

A sus 26 años, un Stravinski apenas conocido en Rusia daba con firmeza sus primeros pasos como compositor dejando levemente a un lado la tradición a la que pertenecía. Esa insolencia unida a un novedoso manejo de la orquestación con tintes impresionistas es lo que atrajo a Sergei Diaghilev, quien le propuso unirse a sus Ballets Rusos y viajar a París en 1909. Inicialmente su labor consistió simplemente en orquestar piezas de Chopin, aunque pronto se embarcó en la composición de El pájaro de fuego, donde recondujo su herencia nacionalista rusa hacia una estela sonora que se vincula más con Scriabin.

Maestro del siglo XX

Ígor Stravinski nació en Oranienbaum (Rusia) el 17 de junio de 1882 y murió en Nueva York el 6 de abril de 1971.

Principales obras. Ballet: El pájaro de fuego(1910), Petroshka (1911), La consagración de la primavera (1913), El ruiseñor (1914), Renard(1916), El beso del hada (1928)… Música de cámara: Historia de un soldado (1919)… Música de escena: Edipo Rey (1927),  La carrera del libertino (1951), El diluvio (1962)…

Libro. Escribió Poética musical, con Alexis Roland-Manuel.

En Petrushka combinaría después danzas y cantos populares con un lenguaje musical plagado de impresionantes juegos tímbricas como resultado de la mezcla y yuxtaposición de ideas, lo que abrió camino hacia la bitonalidad y el primitivismo rítmico que tiñen de modernidad La consagración de la primavera, sin duda su propuesta más novedosa y duradera a pesar de que su estreno, el 29 de mayo de 1913 en el Teatro de los Campos Elíseos de París, constituyó (y sigue haciéndolo) uno de los escándalos más sonados de la historia de la música.

Aunque Canto fúnebre represente el nexo entre la tradición y la modernidad en Stravinski, todavía no es posible escucharla. Sobre el hallazgo de esta temprana composición exhumada de Stravinski escribió Stephen Walsh, otro relevante especialista en el compositor, algunas impresiones en The Guardian, claramente a partir de lo presentado por Braginskaya en el referido simposio.

Según parece, el tesoro rescatado en San Petersburgo es una obra lenta, procesional, tímbricamente dialogada y llena de contrastes. Un verdadero juego de sonoridades donde, según explicó el propio Stravinski en su Autobiografía, cada instrumento solista de la orquesta va desfilando con su propia melodía como si portara una corona de flores a la tumba del maestro.

Sin embargo, las influencias en la obra no se limitan a Rimski-Korsakov, sino también a Richard Wagner. Una influencia que el propio Stravinski no habría admitido de buena gana años después…

Pablo L. Rodríguez, 09 de septiembre de 2015

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Hallan el manuscrito original de “Cumpleaños feliz” en una biblioteca de EE.UU.

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James Procell, bibliotecario de la Universidad de Louisville, pasa las páginas del manuscrito de «Happy Birthday»

En español, en inglés, en francés o en italiano, la canción que todos usan para desear un «Cumpleaños feliz» tiene la misma melodía, una prácticamente universal, pero de cuyo original, hasta ahora, no se tenían pistas.

Hace unos días, el bibliotecario de la Universidad de Louisville, James Procell, descubrió, en los archivos de esa biblioteca, los pentagramas originales que dieron lugar a la popular canción, una composición que data de 1893, según recogen medios estadounidenses.

El bibliotecario estaba archivando documentos musicales de la década de 1950, cuando de repente encontró una carpeta con una treintena de composiciones de más de un siglo de antigüedad.

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Staffpad: escribe partituras a mano y transfórmalas en MIDI

Staffpad: escribe partituras a mano y transfórmalas en MIDI

Staffpad fue diseñado por Matthew Tesch y David William Hearn.

Staffpad es una nueva aplicación desarrollada por Microsoft y el sueño hecho realidad de todo compositor y arreglista. Se trata de una aplicación de notación musical diseñada para poder trabajar con la pluma y el toque de entrada de tu dispositivo compatible con Windows 8.1 y la pantalla touch screen.

Al escribir la notación con el lápiz, StaffPad reconoce tu música manuscrita y la convierte en una notación que se puede editar , reproducir , imprimir y compartir en varios formatos, combinando lo mejor de escribir en papel con las ventajas de la edición digital.

“Como músicos, sabemos que no siempre es práctico o posible llevar una estación de trabajo de composición completa con usted. En cambio, la idea de combinar la fluidez y la facilidad de la música escrita a mano con la eficiencia y la precisión de la composición tipográfica, asistido por un ordenador, se hizo demasiado fuerte como para ignorarlo. Nos pareció que la experiencia de la composición con StaffPad debe sentirse natural, divertida e intuitiva, pero potente y lo suficientemente confiable para que éste sea utilizado por profesionales. Hemos estado trabajando durante más de 3 años para traer StaffPad, con nuevas ideas y avances a un nuevo tipo de aplicación de notación, centrándose en cada detalle para que la composición con StaffPad se realice con el menor esfuerzo posible.”

Además de poder escribir a mano, Staffpad ofrece una gran variedad de sonidos en su banco de instrumentos musicales, la capacidad de imprimir tanto el score completo como la particella de cada instrumento, la edición de notas y articulaciones y la enorme ventaja de importar y exportar archivos en formato MIDI y MusicXML. ¿Qué más se puede desear?

Para más información sobre costos, características, compatibilidad y descarga, vayan a la página de StaffPad.

Un arquitecto croata convierte las olas del mar en música

b-e48905ffb2154f81ca9b592d95faa5afLas olas del mar son un instrumento muy poderoso, al menos de energía. Cuando ellas tocan tierra es como si unos largos y finos dedos acariciasen las notas del piano. Y justamente esta ha sido la visión del arquitecto croata Nikola Basic, que ha decidido convertir esta repetitiva acción en algo armonioso y agradable.

‘Morse Orgulje’, lo que se puede traducir como ‘órgano majestuoso’, fue diseñado en 2005. Es la estrella indiscutible de la ciudad (ahora musical) de Zadar en Croacia. Un espectáculo increíble. Los canales de este órgano conectan 35 tubos, cada uno conectado a su vez a diferentes

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El inventor del método Suzuki, ¿el mayor fraude de la historia de la música?

El profesor suzuki--644x362Mark O’Connor tras investigar durante años el pasado de Shinichi Suzuki, creador del revolucionario método de enseñanza musical, desmonta su biografía.

El paso del tiempo puede revalorizar algunas cosas, pero también puede relativizar y cuestionar otras muchas. Ese parece ser el caso del padre del método Suzuki, que hace cindo décadas implantó una forma revolucionaria de aprender a tocar el violín -a una temprana edad, a ser posible ante de los cinco años, memorizando las obras y repitiéndolas después-. Así logró que miles de niños en todo el mundo tocaran el instrumento, y también que su nombre se hiciera universal y entrara a formar parte de la Historia de la música.

Ahora, cuando cuando han pasado ya 16 años de su muerte (falleció en Matsumoto en 1998), un profesor de violín, Mark O’Connor, quiere desmitificar su figura y aclarar algunos puntos de la biografía deShinichi Suzuki, que no fue como él narró a lo largo de su vida, según las pruebas que ha ido recabando en los últimos años y que ha colgado en su blog.

«Creo que es uno de los mayores fraudes de la Historia de la música», asegura Mark O’Connor. «No creo que nadie haya estudiado en profundidad la biografía de Suzuki», argumenta este profesor de violín que entre los aspectos que ha desenmascarado, se refiere a suformación en el Conservatorio de Berlín, donde habría estudiado con Karl Klingler, un reputado violinista, del que llegó a recibir clases particulares, según Suzuki, y que O’Connor desmiente.

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